La escena artística contemporánea atraviesa una discusión que parece no agotarse: ¿hasta qué punto la vida privada puede convertirse en material estético sin caer en la mera exposición? La brasileña Paula Parisot responde con una obra que asume esa pregunta como eje y la desplaza hacia un territorio más incómodo. Su muestra ‘Y yo me levanto para contar una historia’, presentada primero en el Centro Municipal de Artes Helio Oiticica con curaduría de César Oiticica Filho y luego en el Espacio Cultural Palacio Pereda de la Embajada de Brasil, reúne un corpus de pinturas, instalaciones y videos producidos desde la pandemia hasta la actualidad. El título, lejos de ser una fórmula decorativa, funciona como un anuncio programático: la artista toma posesión de su relato y lo convierte en obra.
La propuesta de Parisot no es un ejercicio aislado de diario íntimo. En sus videos aparecen momentos de la infancia, una historia de amor, una traición de gran escala, el duelo, el dolor y la venganza. La artista analiza aquello que marcó su destino y explora la tensión entre el sufrimiento y la quietud de una estructura poética. Esa operación, que ella misma describe como una catarsis, se articula con una pregunta que atraviesa el arte contemporáneo: la autorreferencialidad como método de supervivencia o como gesto rechazado por otros creadores.
El contraste con otras voces del campo cultural resulta explícito. Días antes, en el Aula Magna de la Facultad de Derecho y en el marco del Filba, la escritora irlandesa Claire Keegan enfatizó que los acontecimientos de su vida que coinciden con su obra no superan unas pocas páginas. Keegan se inspira en referencias, sonidos e imágenes que se forman en su mente y se despliegan hacia el mundo. Parisot, en cambio, hace un análisis introspectivo y comparte lo sucedido como herramienta para crear algo colectivo. La comparación no implica jerarquía, sino dos modos distintos de entender la relación entre experiencia y forma. Mientras una se aleja del yo para construir ficción, la otra lo convierte en materia prima de una narración que aspira a ser compartida.
Ese vínculo con la escritura no es casual. La propia Parisot reconoce que sus primeros pasos no fueron en las artes visuales sino en el campo literario, cuando hace veinte años escribió una novela de ficción. En retrospectiva, comprende que allí radicaban los cimientos de su producción posterior. ‘Mi interpretación del mundo estaba depositada bajo una mirada muy feminista, incluso cuando aún no tenía el vocabulario o los conocimientos que tengo hoy para definirlo’, afirmó. Eran sensaciones que percibía de manera indirecta y que provenían de su realidad. Aunque no lo advirtiera entonces, esa perspectiva ya estaba presente. Hoy las palabras de Parisot se materializan en los guiones de sus videos, donde rinde honor a autoras como Rebecca Solnit al elegir narrar su vida, un gesto que percibe como una victoria y que reconoce en aquellas figuras que admira.
La lista de referencias que la artista menciona permite trazar un mapa de afinidades. Louise Bourgeois, Sophie Calle, Tracey Emin y Nan Goldin aparecen como antecedentes de una práctica que convierte la biografía en lenguaje. En el campo literario, Bell Hooks, Gloria Steinem, Chimamanda Ngozi Adichie o Emmanuel Carrère operan como faros de una escritura que no rehúye el yo. Bourgeois exploró la memoria familiar y el trauma; Calle hizo del seguimiento y la intrusión un método; Emin expuso sus experiencias amorosas y sus heridas; Goldin documentó su entorno íntimo con una crudeza que redefinió la fotografía documental. En todos los casos, la vida privada no es un obstáculo, sino el material de una investigación formal.
La muestra se inscribe en una tradición que, lejos de ser nueva, adquiere en el presente una urgencia particular. La pandemia funcionó como un punto de inflexión: el aislamiento, la pérdida y la reconfiguración de los vínculos impulsaron a numerosos artistas a revisar sus archivos personales. En el caso de Parisot, ese proceso derivó en un conjunto que fue pensado bajo un mismo título por primera vez en el Centro Municipal de Artes Helio Oiticica. La elección del espacio no es menor: Helio Oiticica fue una figura central del arte brasileño, asociado al neoconcretismo y a una obra que buscaba disolver las fronteras entre arte y vida. Su legado resuena en una propuesta que también pretende borrar la distancia entre experiencia y creación.
El acompañamiento curatorial de César Oiticica Filho, director del centro, aporta una legitimidad institucional que conecta la producción de Parisot con una genealogía artística brasileña. La posterior itinerancia al Espacio Cultural Palacio Pereda, sede de la Embajada de Brasil en Buenos Aires, amplía el alcance de la muestra hacia un circuito diplomático y cultural que trasciende el ámbito estrictamente expositivo. En ambos casos, el deseo explícito es destacar la memoria como uno de los ejes centrales del recorrido.
Desde una perspectiva técnica, la obra de Parisot combina medios diversos. Las pinturas, las instalaciones y los videos no funcionan como compartimentos estancos, sino como capas de un mismo relato. La artista utiliza la palabra como articuladora: los guiones de sus videos provienen de una escritura que se remonta a su etapa literaria. Esa continuidad entre texto e imagen permite leer la muestra como una narración expandida, donde cada pieza aporta un fragmento de una historia mayor. La tensión entre el dolor y la quietud poética se manifiesta en la estructura de las obras, que no buscan el efectismo sino una forma de elaboración.
El concepto de venganza que aparece en el título de la nota original merece una lectura precisa. No se trata de una retaliación literal, sino de una reapropiación del relato. Contar la propia historia, cuando esa historia fue marcada por la traición y el sufrimiento, implica arrebatarle al otro el poder de narrar. En ese sentido, la venganza es una operación discursiva: la artista recupera su voz y la transforma en obra. Esa dimensión política conecta su práctica con una tradición feminista que ha insistido en la importancia de las narrativas propias frente a los relatos hegemónicos.
Las implicancias de esta clase de propuestas exceden el campo artístico. En un contexto de sobreexposición digital, donde las narrativas personales circulan a velocidad inédita, la decisión de llevar la intimidad a una institución cultural plantea preguntas sobre los límites entre lo público y lo privado. La obra de Parisot no se limita a exponer: elabora. El pasaje de la experiencia al lenguaje visual y textual supone un trabajo de mediación que distingue la catarsis del mero exhibicionismo. Esa distinción es central para comprender por qué su propuesta dialoga con Bourgeois o Calle sin reproducir sus estrategias.
El recorrido de la muestra también permite observar cómo el arte latinoamericano contemporáneo negocia su inserción en circuitos internacionales. La presencia en la Embajada de Brasil en Buenos Aires, sumada a la escala previa en el Centro Municipal de Artes Helio Oiticica, configura una circulación que combina espacios públicos, institucionales y diplomáticos. Esa articulación no es accidental: responde a una estrategia de visibilización que aprovecha tanto la legitimidad del sistema del arte como las plataformas de representación cultural de los Estados.
En términos de recepción, la obra de Parisot se enfrenta a un público que llega con expectativas diversas. Algunos buscarán en la muestra una confirmación de la autora como figura de su propio relato; otros, una reflexión sobre los modos en que la memoria se construye y se transmite. La convivencia de ambas lecturas es posible porque la artista no clausura el sentido: ofrece un material denso, atravesado por la emoción y por la forma, que admite múltiples entradas.
La discusión sobre la autorreferencialidad, sin embargo, no se resuelve con una respuesta única. Keegan representa una tradición que desconfía del yo como fuente exclusiva; Parisot encarna otra que lo asume como punto de partida. Entre ambas posiciones existe un espectro amplio de prácticas. Lo que la muestra evidencia es que la decisión de narrar la propia vida no es un gesto neutro: implica una ética, una estética y una toma de posición frente al mundo. En el caso de Parisot, esa toma de posición se expresa en la convicción de que lo íntimo puede volverse colectivo cuando se comparte con honestidad y con una estructura formal sólida.
El arte como forma de venganza, entonces, no debe leerse como una consigna agresiva, sino como la afirmación de que contar la propia historia es una manera de recuperar el poder sobre ella. Paula Parisot lo hace con pinturas, instalaciones y videos que no eluden el dolor ni la traición, pero que tampoco se detienen en ellos. Los transforman en una obra que, al exponerse, invita a otros a reconocerse. Esa operación, sostenida por una genealogía de artistas y escritoras que hicieron del yo un territorio de exploración, sitúa su producción en un cruce entre la memoria personal y la memoria colectiva. La muestra, en su doble escala brasileña y argentina, funciona como un recordatorio de que el relato propio, cuando se trabaja con rigor, puede dejar de ser una venganza privada para convertirse en una forma de conocimiento compartido.
Este artículo fue generado o asistido por inteligencia artificial dentro de un proyecto experimental de automatización de contenidos.
